La bandera de nuestros padres (Flags of Our Fathers)

Una de las dos partes en la que Clint Eastwood ha dividido la historia de la batalla por la isla de Iwo Jima, esta corresponde a la perspectiva desde los norteamericanos y lo que significó para estos la imagen de los soldados levantando la bandera durante la batalla.

Eastwood narra con un flashback el momento cuando estos soldados alzaron la bandera y la lucha en la batalla donde perdieron a sus amigos y enfrentaron sus más grandes temores, para ser alejados de sus compañeros y ser erigidos como héroes, sólo para levantar la moral y unos cuantos bolsillos.

Tristemente esta cinta recuerda mucho en su propuesta visual y narrativa la célebre Saving Private Ryan de Steven Spielberg, tanto en los momentos de la batalla como en los recursos narrativos que avanzan y cambian la historia.

Las actuaciones de Ryan Phillippe, Jesse Bradford y Adam Beach son creíbles pero no espectaculares, ciertamente el hilo conductor de la cinta se pierde y el guión no logra tejer bien todas las historias que por momentos se ven montadas e insuficientes, a pesar del esfuerzo por dar credibilidad a las acciones de los personajes, el guión omite razones fundamentales que hubiesen dado más coherencia a la historia.

Ciertamente ojala la segunda parte sea mejor.

En busca de la felicidad (The Pursuit of Happyness)

Sorprendente sin lugar a dudas, la actuación de Will Smith en este filme, puede ser por la dirección del italiano Gabriele Muccino, quien logra que Smith haga no solo un papel muy convincente sino probablemente el mejor de su carrera hasta ahora.

En busca de la felicidad, es una cinta tierna pero muy dramática, en la que un hombre solo, lucha por su bienestar y el de su familia. La cinta es impecable en la puesta en escena, y centra toda su fuerza en la actuación de Will Smith - cabe anotar que tal vez sólo en Alí, la cinta que cuenta la historia de Cassius Clay, Will Smith iguale la actuación que realiza en esta cinta – y en la del joven Jaden Smith, hijo de Will tanto en la película como en la vida real.

La película tiene una de esas historias donde la realidad supera la ficción, una cinta para aquellos que les agrada que cuando las cosas se ponen duras salgan bien.

Apocalypto

Después del éxito que tuvo hace 11 años con Braveheart con la cual Mel Gibson ganó 5 Oscar y la polémica mundial por su anterior cinta, The Passion of the Christ, la espera del estreno de su cuarta película como director Apocalypto, auguraba muchas críticas.

Entre las voces de sus detractores se escuchó en varias ocasiones, una queja a su ingenua visión de hacerla más vívida, más auténtica al incorporar en esta cinta al igual que en la Pasión de Cristo, el lenguaje original de la época, así que en esta cinta el lenguaje es no es otro que una versión del siglo XXI del lenguaje de los mayas y sus territorios vecinos.

Lejos de la polémica por el lenguaje, la película relata un territorio y una cultura previa a la conquista donde la ley de la fuerza prima y la lucha por sobrevivir esta dada por las condiciones en las que los hombres enfrentan sus miedos.

No es una cinta particularmente brillante, y se acerca con demasía al género de acción, cabe resaltar la puesta en escena que ilustra con facilidad la época, no es una cinta con mucha apuesta más allá del lenguaje maya.

300

Es sin lugar a dudas la historia de los 300 espartanos que lucharon la memorable batalla de Termópilas digna de una realización épica. No es menos que eso lo que presenta Zack Snyder, quien se basa en el comic 300 (1998) de Frank Miller, el escritor de Daredevil y Sin City entre otros comics, para llevar a la pantalla una historia perfecta, mucho mejor que su ópera prima una de los cientos de secuelas de La noche de Muertos Vivientes, un triste comienzo en su carrera.

Sacude Snyder el género de película épica o de batalla con esta versión de los 300 espartanos - ya había sido llevada al cine por la 20th Century Fox en 1962 - es verdaderamente impactante el manejo de la fotografía, el color, el vestuario y el sonido. La actuación de los protagonistas, en este caso Gerard Butler en el papel del rey Leónidas es excelsa y el riesgo tomado por Snyder no fue poco en considerar a Butler para este reto ya que su más recordada aparición -que ni siquiera merece un vínculo - es el bodrio de Drácula 2000.

Así mismo el papel de la reina Gorgos interpretado por Lena Headey, actriz de televisión que en 300 hace su primer protagónico es de una calidad notable, y convence en el papel de mujer dura y leal que haría todo por su pueblo, y su rey. Se arriesga mucho Snyder con actores nuevos en su mayoría de televisión, pero logra convencer con cada uno de ellos.

La cinta atrapa al espectador de manera tal que pensaría aún conociendo la historia que los 300 ganarían. Una película no apta para aquellos adolecen de la violencia explícita pues hay que decir que ni Snyder se queda corto para plasmar la violencia del comic de Miller, ni Miller en capturar la crueldad intrínseca de la batalla.

El Vengador Fantasma (Ghost Rider)

Esta es una cinta de acción que es de preferencia de fanáticos de los comics, o sea que sino le gustó X-men (2000), Spiderman (2002), Daredevil (2003), Hulk (2003), Hell Boy (2004), Fantastic Four (2005) o Elektra (2005), ni se asome por allá. Si es que esta cinta también hacer parte de la reciente producción en cine del gigante de los comics, Marvel.

Quién mejor para lleverla a puesta en escena que Mark Steven Johnson el director de Daredevil, y escritor de Elektra, un fan absoluto de los comics en especial de los de Marvel, que en esta ocasión dirige a Nicolas Cage, en un papel convincente.

La cinta es plagada - como es común en estos tipos de filmes - de espectaculares efectos especiales que tratan de distraer al espectador de la trama, pues esta sola no sería sustento suficiente, como es lógico por ser la historia de un héroe, la trama, su desenlace y el final, no dejan de ser tan predecibles como lo son los comics en los que se basan.

Sí, el héroe vence al final.

Vidas Cruzadas (Crash)

Con un increíble reparto que incluía a Sandra Bullock, Don Cheadle, Matt Dillon, Terrence Howard, Thandie Newton, Ryan Phillippe, Brendan Fraser y Tony ; Paul Haggis se hizo al Oscar por mejor película. Cierto que mejor película que su competidora cercana Brokeback Mountain si era, ahora sí era la mejor de todas no sabría decirlo por que Syriana, Good Night and Good Luck y Capote merecían alguna atención más.

Crash, es una historia que no debe compararse para nada con la propuesta más cercana como Amores Perros de Alejandro González Iñárritu, son diferentes, proponen cosas distintas desde el montaje y la narrativa.

Mientras las historias de Amores Perros se unen en un momento (el choque), en Crash son los choques y el tránsito, los elementos que cohesionan la historia. Historias como la de Cameron (Terrance Howard), un productor de cine que se ve acosado por un policía (Matt Dillon) que durante un momento se atreve a tocar a la esposa (Thandie Newton), o la de una pareja (Brendan Fraser y Sandra Bullock) que es asaltada por un par de ladrones de autos, uno de ellos es hermano de un policía (Don Cheadle) que trabaja en un caso del fiscal de New York,(Fraser).

Algunas historias más que giran entorno a estas son en suma Crash. Paul Haggis es un consumado escritor de televisión y dirigió algunos capítulos de Family Law, ya había escrito un guión exitoso para cine que realizó Clint Eastwood, Million Dollar Baby, ahora se estrena como director con esta cinta, un gran logro ya que en su primera salida consigue un Oscar. Crash es una película que aborda temas esenciales en estos momentos como lo son los inmigrantes y la discriminación.

Ha sido criticada por que los aborda de manera tímida, aunque deja algunas moralejas, lo cierto es que no se puede desconocer que es realizada por un director de series norteamericanas familiares y eso se refleja en el manejo de los temas. La propuesta audiovisual es decente y como película de entretenimiento no deja inquietud alguna.

Inframundo 2 (Underworld Evolution)

Hay una regla en el cine y es que pocas películas superan la primera secuela de una saga, Inframundo 2 no es una de esas. Corrí con especial interés a ver esta cinta que prometía tanto como sorprendió la primera. La primera fue una brisa fresca en un el saturado tema de los vampiros y los hombres lobos.

Ésta segunda entrega comienza exactamente donde terminó la primera y hace un pequeño recuento de ella, cuando Selene (Kate Beckinsale) y Michael Corvin (Speedman) tratan de escapar de las posibles retaliaciones de los vampiros que se vengan por la muerte de su líder Víctor. La trama se complica aún más cuando el verdadero líder de los vampiros Marcus regresa de un profundo sueño con el ánimo de liberar a su hermano gemelo William líder de los hombres lobos.

Ésta cinta dirigida por Len Wiseman, no sorprende para nada, mejora sin lugar a dudas en la utilización de efectos especiales pero deja mucho que desear en la trama que cada momento se complica más pero se resuelve de manera muy simplista. La historia de amor que no se consumó en la anterior película se lleva a cabo en esta y es tal vez en el único eje narrativo lógico de la historia, el final es aterrador no por lo que asusta sino por lo soso y predecible.

No se salva ni siquiera Kate Beckinsale que en la anterior cinta se mostró como una mujer sexy y fatal, cerca de la actuación de Carrie-Anne Moss como Trinity en Matrix. Inframundo 2 es una involución total, es una película que falla en casi todos los aspectos. Pueda ser que el giro que dará Beckinsale a su carrera al ser coprotagonista del reconocido comediante Adam Sandler en la cinta Click. Por su parte Scott Speedman participa en dos producciones que se estrenarían en 2007.

Descarrilados (Derailed)

Sin lugar a dudas esta película es de aquellas en las que se siente sobre el final de la película, la tristeza de una obra ridícula y sin sentido. Pero el sorprendente giro que tiene la película sobre el final es tan inesperado como exitoso. Clive Owen, Jennifer Aniston y Vicent Cassel son los protagonistas de esta obra del sueco Mikael Håfström quien debuta en Hollywood.

La película narra la historia de Charle Schine (Owen) un ejecutivo casado, que conoce una misteriosa mujer en el tren (Aniston) y sostiene un coqueteo con ella, y en medio de una noche de copas decide tener una aventura.

Para ello recurren a un motel en los barrios bajos donde la misteriosa mujer es violada, y él es golpeado por el perpetrador (Cassel). Posteriormente se debe enfrentar al silencio de no poder denunciar el hecho por la infidelidad que cometía, el chantaje y la extorsión a la que después es sometido por el violador.

Clive Owen, con una larga carrera en el cine inglés, ha tenido una incursión importante en el cine norteamericano desde el 2003 cuando protagonizó junto a Angelina Jolie, el filme Beyond Borders que no llegó a la cartelera local, al año siguiente realizó la cinta de fantasía y acción, King Arthur interpretando al protagonista.

Ese mismo año realizó el filme Closer donde fue coprotagonista y se codeó con estrellas como Julia Roberts, Jude Law y Natalie Portman. Closer de Mike Nichols, -recordado por su afamada cinta The Graduate protagonizada Dustin Hoffman- tuvo buena acogida en la crítica especializada, le permitió a Owen darse a conocer como un actor versátil, le valió la admiración de los críticos y el reconocimiento del público.

El año pasado apareció en Norteamérica como uno de los protagonistas de la cinta Sin City del mexicano Robert Rodríguez y Frank Miller donde interpreta a Dwight McCarthy uno de los protagonistas. Por otro lado Jennifer Aniston es muy conocida por su aparición en la serie Friends en el papel de Rachel, desde el año pasado ha cambiado su rumbo profesional alejándose de la televisión, y volviendo al cine donde había trabajado en comedias.

El papel que realiza como Lucinda Harris aunque no es tan presente en la cinta es bien interpretado y en todo momento es creíble incluso con los giros radicales de la historia. Vicent Cassel es el antagonista de la historia - recordado por su papel en Irreversible de Gaspar Noé donde actua con su esposa Mónica Belluci y conocido por ser hijo de Jean Pierre Cassel veterano actor e ídolo en Francia - interpreta a Philippe LaRoche, un personaje complejo y uno de los ejes centrales de la historia. Descarrilados es una cinta compleja que gana emoción conforme se acerca al final, una cinta de las que no se acaba hasta el último minuto.

Viviendo con mi ex (The Break Up)

Es la segunda película que este año se presenta en la Bella Villa con la actriz Jennifer Aniston, en la anterior (Descarillados) ella interpretaba a una estafadora, una película interesante que reseñe en el blog. Ahora hace parte de este intento de comedia junto a Vince Vaughn que también lo vimos este año en la cinta Wedding Crashers (Los rompebodas).

Intento de comedia, quiero hacer énfasis en esto pues desde esa apuesta la película es regular, pero lo que si logra el director Peyton Reed es desnudar los problemas de pareja, (a Jennifer Aniston también) de una manera clara y sin exageraciones.

La película trata los conflictos de pareja asociados a la convivencia, las relaciones con los amigos, el dinero y el orgullo propio. Además toca la diferencia entre la forma en que hombres y mujeres viven una relación. La pareja que componen Gary (Vince) y Brooke (Jennifer) afronta un momento crítico y terminan la relación.

El problema es que deben seguir conviviendo ya que el apartamento pertenece a ambos, es allí después del rompimiento de la relación donde surgen los problemas, cuando ellos tienen que afrontar su trabajo, la cotidianidad, los amigos estando juntos pero sin ser pareja. El trabajo de los actores es bueno tanto Vaughn como Aniston son convincentes en sus roles, particularmente Vaughn que interpreta un hombre trajador y fiel pero desconsiderado y grosero.

El filme como comedia es regular, los giros son previsibles y no son tan graciosos, Reed tenía alguna experiencia en el género y recibió algunas críticas positivas de su anterior película Down with Love, sin ser un éxito taquillero, pero honestamente en esta cinta se le van las luces. Es una cinta para ver en pareja y comprender algunas cosas pero con poco humor.

Tiempos violentos (Pulp Fiction)

Esta película dirigida por el joven prodigio de Hollywood, Quentin Tarantino, se ha convertido en un objeto del culto para los nuevos directores de hollywood, es un film que rompe con las barreras clásicas del guionista, al traspasar el formato típico de la historia lineal, algo muy novedoso en occidente por que en oriente muchos directores nipones lo habían realizado a priori, al convertir la película en una serie de suceso segmentados mostrados sin una lógica aparente.

La excelente actuación de los protagonistas, los sucesos inesperados, el contraponer y mezclar varias historias con el fin de crear una sola, el boxeador, los cobradores, el jefe, la esposa, la brillante idea de secuenciar las escenas con títulos formando capítulos, dentro de la misma cinta, el presentar un mismo suceso desde dos perspectivas diferentes, mostrando al espectador la posibilidad infinita del encuadre cinematográfico jugando de algún modo con el fuera de cuadro incorporándolo a la historia.

A pesar que esta película se mueve entre géneros como la acción y thriller, en los cuales la violencia es un tema recurrente y teniendo en cuenta que en la película cumple un papel importante la violencia esta no es el tema de la historia, contrario a lo que comúnmente sucede en las historias hollywoodenses, que sea la violencia el eje de la historia, en este película se tocan tópicos complejos, como la droga, el homosexualismo, las apuestas ilegales, la religión y la decadencia de las antiguas mafias.

Esta película realizada por Tarantino contando con la participación de reconocidos actores, como Harvey Kaitel, Samuel Jackson, John Travolta, Bruce Willis, Uma Thurman actores con una importante carrera, que después de la brillante dirección y puesta en escena de la película Reservoir Dogs, la cual es considerada por algunos críticos como la mejor película realizada por este director dado la complejidad del guión, y el hecho que el argumento fuese una historia bastante novedosa, confiaron en que un director como Tarantino crearía una nueva joya de la cinematografía.

Pulp Fiction de alguna manera junto a Natural Born Killers -dirigida por el polémico Oliver Stone y escrita por el mismo Tarantino- se han convertido para muchas personas como un símbolo generacional, como ocurriese en otros tiempos con películas como Rebel without Cause en la que aparece el mítico James Dean, ídolo y constante a seguir en la juventud de los 50´s o Saturday Night Fever que también contaba con la colaboración de Travolta iniciando y motivando la cultura Disco.

Asumo que así como Tarantino hasta ahora a creado maravillosas piezas del cine post - moderno nos dará en este nuevo siglo majestuosas composiciones plagadas de su magnifico talento.

Perdidos en Tokio (Lost in Translation)

Una película única, aunque es tal vez el guión lo más atrayente de esta película -algo que fue reconocido incluso por los críticos norteamericanos que le otorgaron el oscar a Sofía Coppola en este género - es fundamental acotar que su puesta en escena es la que convierte a esta cinta en algo nuevo y fresco que permite ver algunas esperanzas futuras en el cine hollywoodense.

La historia de un afamado actor que viaja a Tokio para rodar unos comerciales de whisky se une a la de una hermosa joven que es esposa de un fotógrafo famoso. Ambos sienten la soledad de esta gran urbe que sirve como escenario para ambientar una historia triste y llena de suspicacias irónicas que proveen ciertos momentos de humor.

De la puesta en escena sin lugar a dudas es necesario señalar la estupenda actuación del comediante Bill Murray que en un papel que se aleja del perfil que ha manejado por más de 25 años en el cine, una caracterización que bien pudo haber valido el oscar y que difícilmente se repetirá. De igual manera la actuación de Scarlett Johansson es satisfactoria teniendo en cuenta que aún es una actriz joven sin mucha experiencia.

No hay un escenario mejor para haber llevado a puesta a punto de esta cinta, que la solitaria grandeza de la ciudad nipona perdida entre los grandes lujos que aíslan a las personas del mundo y el contacto con el otro. El escenario y sus decorados es perfecto para que dos solitarios se encuentren en medio de la insulsa multitud del Japón.

Es sin lugar a dudas la puesta en escena de una historia tan lenta, la que permite al espectador seguir la trama sin perder el hilo en las largas secuencias del filme, matizadas por la buena fotografía de ese escenario insulso y majadero que muestra Sofía Coppola; desde el comienzo hasta el final se siente la necesidad de irse de Tokio para no perderse más, lo cual hace más creíble el final.

Eragon

Observé esta cinta con poco de resistencia tengo que aclararlo, sin verla aún me parecía una suerte de mezcla del Señor de los Anillos y dragones, pero tengo que reconocer que no es tan mala como pensé que sería.

Claro tampoco es una cinta espectacular y en su género – ciencia ficción/fantasía- hay mejores como el ya nombrado Señor de los Anillos y Harry Potter por citar sólo las más recientes.

Aún con semejante prejuicio la cinta logró atraparme en la historia - algo trillada – de Eragon un joven campesino que tropieza con - por lo que parecer ser suerte- un cambio trascendental en su vida que lo llevará en caminos antes inimaginados.

La cinta es dirigida por Stefen Fangmeier, un experto en efectos visuales que trabajó en cintas tan distintas como Terminador, Twister y Saving Private Ryan; y que con Eragon realiza su opera prima; al igual que el debutante Edward Speleers quien interpreta al joven campesino.

La cinta posee varias escenas de acción que le dan continuidad a la simple trama que plantea, es obvio por el director que en estas escenas los efectos visuales son magníficos y logran el efecto de atrapar al espectador, como cinta de fantasía cumple con entretener, puede ser que el final abierto que plantea traiga una mejora en la trama de una posible segunda versión.

El mercader de Venecia (The Merchant of Venice)

Una película como ésta no permite dudas sobre la calidad de la historia, se basa en una obra de uno de los autores preferidos de los guionistas, William Shakespeare. En estos casos solo es válido observar la precisión de la adaptación o la innovación de la misma, esta versión del Mercader de Venecia del director Michael Radford quien también ofició de guionista, es una adaptación limpia y precisa de la obra de Shakespeare.

Ubicada en la Venecia del siglo XVI, dos de los personajes principales son caracterizados por actores de amplia trayectoria y capacidad histriónica, Al Pacino en el papel del judío Shylock y Jeremy Irons representando al mercader Antonio, otro de los roles principales, Bassanio, lo caracteriza el joven Joseph Fiennes recordado por interpretar a William Shakespeare en la cinta Shakespeare in Love.

Aplaudida la caracterización de Pacino, viejo lobo que en esta cinta saca lo mejor de sus años de experiencia para representar a un Shylock, vengativo y cruel pero justificado en su dolor, sorprende también la actuación de Lynn Collins quien interpreta a Portia, joven doncella amor de Bassanio y causa de toda la trama.

Sin lugar a dudas por la justa puesta en escena, el respeto por el texto original y la calidad de los autores, esta versión del mercader de Venecia es digna de una colección personal de cintas clásicas, Radford le hace justicia a Shakespeare.